"En tiempos en que las plataformas de cine y series se lo han fagocitado casi todo, volver a ver cine en una sala y poder comentar la película es recuperar la experiencia colectiva frente al individualismo de las pantallas, todo un acto de resistencia cultural".

miércoles, 26 de enero de 2022

Ciclo de cine ,"La ruptura y la modernidad en el cine italiano, años 60: Muerte en Venecia ( L. Visconti 1971)

 



Sinopsis: A principios del siglo XX, un compositor alemán de delicada salud y cuya última obra acaba de fracasar, llega a Venecia a pasar el verano. En la ciudad de los canales se sentirá profundamente atraído por un hermoso y angelical adolescente, sentimiento que le irá consumiendo mientras la decadencia también alcanza a la ciudad en forma de epidemia... Adaptación de la obra homónima del escritor Thomas Mann.

Sugerencia de enlaces para ver el film:  https://rakuten.tv/es/movies/muerte-en-venecia

Crítica: https://themoviescores.com/inicio/mas-alla-de-la-musica-de-cine-4/critica-film-muerte-en-venecia/

miércoles, 19 de enero de 2022

Ciclo de cine , "La ruptura y la modernidad en el cine italiano, años 60": Teorema,(P. P. Pasolini 1968)

 



Sinopsis: El controvertido y genial Pier Paolo Pasolini analiza la estructura de la familia burguesa en la Italia posterior al desarrollo económico de los años 50 y 60. Y lo hace con su mirada afilada y única.

Un extraño visitante, enigmático y guapo (Terence Stamp) llega a una casa burguesa de Milán y, sucesivamente, seduce a cada uno de los miembros de la familia sin olvidarse de la sirvienta. Después, con la misma brusquedad y misterio con el que llegó, desaparece dejándolos a todos confusos. Ahora deberán darle un nuevo sentido a sus vidas para llenar esa ausencia. En esta alegoría política, ricamente compleja y provocativa, Pasolini utiliza su trama esquemática para explorar la dinámica familiar, la intersección de la clase y el sexo, y la naturaleza de las diferentes sexualidades. Después de ganar un premio en el Festival de Cine de Venecia, Teorema fue prohibida por su alto contenido de obscenidades. Pero Pasolini, finalmente, ganó la absolución debido al gran valor artístico de la película.

Sugerencia de enlaces para ver el film: https://www.filmin.es/pelicula/teorema?utm_source=justwatch   




miércoles, 12 de enero de 2022

Ciclo de cine "La ruptura y la modernidad en el cine italiano, años 60": El Desierto Rojo (M. Antonioni 1964)

 



Sinopsis: El italiano Michelangelo Antonioni prosiguiendo tras clásicos como “El Eclipse” o “La Aventura” con sus penetraciones psicologicas en el alma de los personajes desplazados y aislados.

Su mirada es pausada, y en ella es mucho más importante la descripción del estado de ánimo de sus caracteres que el desarrollo de una trama coherente y el retrato de esos caracteres y sus relaciones al margen de ese estado, que marca el sentir vital de la persona.

Esa animosidad se encuentra expuesta principalmente en la plasmación visual de su entorno, un brumoso, frío, desolado, apagado escenario industrial, que contrasta con la luminosidad natural de la irrealidad mágica y refulgente del cuento relatado.

Es muy importante en Antonioni, a partir de esta película (su primer título rodado en color, fotografiado por Carlo Di Palma), el tratamiento plástico en armonía con el interior del personaje central y la capacidad de sus actores para extraer las emociones buscadas con  Monica Vitti, compañera sentimental del autor, en una excelente interpretación.


Sugerencia de enlaces para ver el film: https://rakuten.tv/es/movies/el-desierto-rojo  


Crítica

La película Red Desert de 1964 de Michelangelo Antonioni es una exploración sombría de las enfermedades mentales, la alienación y el deterioro ambiental. La película es abstracta, desafiante y posiblemente una de las obras cinematográficas más bellamente compuestas y fotografiadas de las últimas 5 décadas. Honestamente.

El tono de la película se establece de inmediato. La secuencia del título se desarrolla con tomas panorámicas desenfocadas de un astillero industrial. La secuencia corta abruptamente a la imagen de una tubería de refinería disparando llamas anaranjadas gigantes hacia el cielo gris ceniza. En la siguiente toma, la cámara retrocede para revelar que el cielo está gris debido al humo que sale de una torre de enfriamiento nuclear. Luego se presentan los personajes centrales. Giuliana Salviatii (Monica Vitti) y su hijo Valerio llegan a la fábrica donde su esposo Ugo (Carlo Chionetti) es el gerente. La Sra. Salviatti estuvo recientemente en un accidente automovilístico, que la ha dejado mentalmente inestable. Al encontrar a su esposo, conoce a Corrado Zeller (Richard Harris), quien está trabajando en un proyecto. Corrado Zeller y Giuliana Salviatti se atraen rápidamente,

Narrativamente, Red Desert no sigue un arco tradicional. La historia se parece más a una pendiente en ángulo que se eleva lentamente a medida que el mundo interno y externo de Giuliana Salviatii se deteriora. La película es oblicua y se basa en imágenes, a diferencia de la exposición, para contar la historia. Dicho esto, los temas no están ocultos y el espectador atento debería poder conectar los hilos.

Aunque hay mucha satisfacción que se deriva de una lectura analítica de Red Desert , el verdadero placer de la película está en sus imágenes y sonidos. Es difícil exagerar lo hermosa que se ve esta película. los
la composición de las tomas demuestra una profunda consideración de las figuras en el espacio; los actores se colocan cuidadosamente en relación con las habitaciones, los edificios, las calles y otras estructuras. Más importante la manipulación del espacio por parte de la película es su uso del color.
Cada escena está meticulosamente coordinada en color. La ropa, el tono de piel, los ojos y el cabello se combinan y contrastan con los fondos interiores y exteriores.
Esta fue la primera película en color de Antonioni, y su uso Technicolor, que había sido abandonado cuando comenzó la producción, el sobre de la cinemafotografía en color . Aquellos interesados ​​en los procesos técnicos específicos empleados aquí deben consultar el excelente artículo de Murray Pomerance vinculado al final de esta revisión.

Un último elemento que merece una discusión es la música y el diseño de sonido. El elemento de sonido dominante es la partitura electrónica ondulada de Vittorio Gelmetti, que recuerda a Xenakis y Stockhausen. También se utiliza un motivo recurrente compuesto por Giovanni Fusco y cantado por Cecilia Fusco. El motivo se contrapone a la electrónica de Gelmetti en la secuencia del título, y luego figura en una de las escenas fundamentales de la película. El uso de la canción en estas dos escenas crea un conjunto de contrastes interesantes que hablan de algunos de los temas principales de la película.


miércoles, 5 de enero de 2022

Ciclo de cine "la ruptura y la modernidad en el cine italiano, años 60" Ocho y Medio (F. Fellini 1963)

 



Sinopsis: Si existe una película que defina el universo ‘felliniano’ esa es “8 ½”, un inolvidable viaje interior, lleno de fantasía, surrealismo, alucinación… por la memoria, los deseos o los conflictos personales y profesionales de Guido Anselmi, personaje interpretado por Marccello Mastroianni que no es más que un alter ego del propio Federico Fellini.

La película, una ambiciosa historia coral y autobiográfica rodada en blanco y negro, materializa la complejidad psicológica de un protagonista en bloqueo creativo inmerso en un flujo de conciencia experimental, con saltos en el tiempo, ensueño, memoria, encontrado todo en un desenfreno, en un desfile fantástico-circense que fusiona el humor y el drama, abordando asuntos de carácter intelectual, amoroso, sexual, religioso, artístico… Derrocha tanta pretensión como imaginación.




Crítica

Se dice del cine que es una fábrica de sueños. Muchos han sido los artesanos que han fabricado con sus mentes grandes y mágicas historias que a todos nos han cautivado. Partiendo del mago pionero que fue Méliès hasta llegar a los magos actuales quienes, más que jugar con las técnicas que también los hay, lo que hacen es jugar con nuestras mentes. Lo hacen a través de su inconsciente, un inconsciente que posee la propia materia del sueño y que fascina por la tangibilidad manifiesta que se produce al ser mostrada ante nuestros ojos.

Pero los sueños tienen varias facetas, casi tantas como directores hay. Mientras unos se dedican a la cara oscura y perturbadora de los sueños, David Lynch podría ser el ejemplo más claro, otros se sienten atraídos por la parta más irónica, la más sugerente, la más surrealista. Entre estos últimos, el más claro exponente es Federico Fellini.

Su filmografía está repleta de sueños, de gente grotesca, de ensueños e imaginaciones. De esperpentos, de mujeres maravillosas, de divinidades.

Ocho y medio es la obra que lo aúna todo. Su genialidad se ve desbordada en la película. La historia de un director que padeciendo estrés se retira a un sanatorio para poder empezar a trabajar en su nueva película, pronto nos transporta a un estado de ensueño. La sensación de volatilidad se extiende en cada uno de los fotogramas, en cada una de las frases del guión, en todos y cada uno de los magníficos personajes. Una volatilidad que empieza ya por el propio protagonista, Guido (Marcello Mastroianni), un director que tras él arrastra al alter ego del propio Fellini.

Es sueño puro. Nos movemos de una estancia a otra sin viajar, sin camino. Los traumas, miedos, la nostalgia, las preocupaciones, los amores, todo lo que el director lleva en su interior queda expuesto. Ocho y medio es un enorme regalo que el director nos hace. Desde la inolvidable melodía creada por Nino Rota, hasta personajes tan pintorescos como Saraghina y su rumba o la dulce enfermera “voladora” (Claudia Cardinale). Escenas impagables como la inicial, repleta de la angustia que ahoga al director o ese emocionante final donde todos los monstruos del director salen a la luz, unidos, descargando así el peso que sobre su creador se cernía.

Ocho y medio es sueño, es cine, es un regalo de un director que se atrevió a desnudarse ante todos, sin tapujos, sin miedos. Una película para degustar.




domingo, 2 de enero de 2022

Ciclo de cine: la ruptura y la modernidad en el cine italiano, años 60

 

"Ahora más que nunca, el mundo necesita cine. Puede que sea la última forma de resistencia ante el deteriorado mundo en el que vivimos", declaró en una oportunidad Theo Angelopoulos.

 

Presentamos cuatro filmes para este comienzo de año que implican una ruptura ya con el cine clásico y con el propio neorrealismo italiano. Las cuatro películas nos hablan de una forma de ruptura con el espacio clásico del cine, naciendo una nueva idea de la forma fílmica. El mundo se ha fragmentado como un espejo roto y es imposible asirlo, reunirlo, los fragmentos hablan por sí solos. Esa ruptura y giro hacia la modernidad se da ya en Fellini tratando la figura del autor y la creación cinematográfica, en Antonioni que bucea en el interior de sus personajes y Pasolini en su film que intenta desmontar a la familia burguesa a través de su narrativa alegórica . Visconti, quien asentado todavía en cierta clasicidad estética, al realizar un film de época, nos introduce en un retrato psicológico y turbador de la pulsión de muerte, siendo ésta su contribución a la modernidad. Pero los cuatro comparten el estudio minucioso del alma humana, con una visión oscura e indeterminada, a veces obsesiva de las relaciones humanas.

Programación

Sábado 8 de enero

ocho y medio

F. Fellini 1963

Sábado 15 de enero

El Desierto Rojo

M. Antonioni 1964

Sábado 22 de enero

Teorema

P.P.Pasolini 1968

Sábado 29 de enero

Muerte en Venecia

L. Visconti 1971